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Así fue la Semana de la Moda en Colombia: Colombiamoda 2022

Color, contrastes, estampados, pasarelas, tendencias y mucho conocimiento, fue lo que se vivió en la edición número 33 de Colombiamoda.

¡El 25 de julio viajamos a Medellín para ser parte de Colombiamoda 2022! Uno de los eventos más importantes en la industria de la moda latinoamericana. Fueron 3 días en donde diseñadores, compradores, prensa y amantes de la moda, se reunieron para disfrutar de los diferentes escenarios disponibles en la feria.

Espacio para el nuevo diseño

Si hablamos de nuevas tendencias en Colombiamoda, pues tenemos que mencionar el espacio de The Vogue Talents Corner. Área destinada para dar protagonismo a los diseñadores emergentes, es decir los nuevos talentos de la moda colombiana. Tras haber pasado un proceso de selección, tuvieron la oportunidad de mostrar sus colecciones y creaciones para la temporada.

Una de ellas fue la marca Mar a Mar, prendas Resort inspiradas en el verano italiano, el romanticismo y la sustentabilidad. Prints coloridos y originales, creados por la marca e impresos en materiales reciclados. Las diseñadoras, tres amigas de la infancia, viajaron desde Montería en la costa colombiana hasta Medellín para ponerse en contacto con potenciales compradores.

Sí, porque Colombiamoda ¡no es solo pasarelas! Es un evento enfocado también en fortalecer a empresarios y emprendedores conectándolos con el mercado. Así que estas diseñadoras no solo pudieron vender sus creaciones, también hicieron varios contactos para exportar sus prendas.

Las Pasarelas

Se presentaron alrededor de 22 pasarelas en los 3 días de Colombiamoda, muchas destinadas a marcas, diseñadores y causas sociales. Entre las que más destacaron fue la del diseñador colombiano Juan Pablo Socarrás con la pasarela Historias hechas a mano. Quien, junto con Coca Cola, dieron un verdadero espectáculo con prendas hechas con las anillas de latas recicladas y que, además, integraba la mano de obra de 90 mujeres de 3 diferentes países. Un guiño especial a la artesanía dentro de la industria y que también estuvo presente en otras pasarelas y expositores.

Por otro lado, se presentó la colección genderless o sin género de Maluma para GEF, El arte de los sueños. Prendas urbanas, con una gama de colores impactantes que nos traslada a un mundo más positivo. Colección con un tinte social, pues la venta de las prendas serán donadas a la fundación del músico.

Negocios y conocimiento

Colombiamoda presentó una visión desde todas las aristas de lo que es el sistema moda, dando lugar a espacios para la discusión y el debate como el Pabellón del Conocimiento o el Foro de Tendencias. Charlas por expertos que permitieron adentrarnos a lo significa la moda en la sociedad, más allá de las prendas. Temas como la sostenibilidad y la moda circular; el futuro de la industria y las macrotendencias para el sector; o el metaverso (Fashion Web) y las oportunidades digitales para la moda. Todos, respondiendo a necesidades del mercado en materia de negocio.

Sin duda, Colombiamoda fue el espacio ideal para materializar todo el trabajo que hay detrás de lo que vemos después en las vitrinas. La plataforma perfecta para vivir la moda colombiana con una visión fortalecida para la región. Nos deja con todas las ganas de seguir explorando este mundo y acompañarlos nuevamente en su edición 2023.

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Desfiles distópicos: Balenciaga se toma New York

Mejor dicho, se toma Wall Street. Un Fashion Show que da para hablar, lleno de simbolismo, antítesis y que sin duda será uno de los más recordados del 2022. El desfile Primavera Verano 2023 se dio en uno de los lugares más importantes y representativos de New York, Wall Street. Balenciaga irrumpe no solo con su nueva colección y colaboración con Adidas, también se toma New York después de 20 años de no haber organizado un Fashion Show en la ciudad. Te cuento los highlights más importantes de lo que fue el distópico desfile.

Es una de las marcas de alta costura más importantes del momento. De estilo dramático, se caracteriza por ser una marca siempre disruptiva, crítica y postmoderna. Sus prendas, campañas publicitarias y eventos, cuestionan lo establecido por la industria y sus consumidores. Y esta vez no decepcionaron. Desfilar en pleno Wall Street es memorable, pero existe un hilo conductor detrás mucho más importante, un significado detrás de la conexión con el dinero, las prendas y el mundo en el que vivimos actualmente.

La indumentaria del poder

Un fajo de billetes de 100 dólares impresos por el banco de Balenciaga, fue la invitación que recibieron los asistentes a este Fashion Show. Las modelos, todas enmascaradas con látex, haciendo una referencia al BSDM se mezclaban con las típicas pantallas de Wall Street que mostraban índices reales de la bolsa. La conexión es evidente: cuestionar los símbolos de poder y el significado que le damos.

En una entrevista para después del desfile, Demna el director creativo de Balenciaga, exponía su atracción a los fetiches, explicando que el dinero es el mayor fetiche del mundo. Sin duda, una crítica que no sería común en otras marcas especialmente siendo de lujo. Tampoco es común en una marca de moda y sobre todo, en un desfile, la crítica hacía la misma moda. El tema de las máscaras también da para hablar sobre la imposición de tendencias que, al entrar a ser usada por las masas, terminan todos viéndose igual.

El Fashion Show tuvo dos momentos marcados, el primero la presentación de la Colección para Primavera Verano 2023 y la segunda, la esperada colaboración con Adidas. La SS23 es una colección atemporal, más clásica en donde el negro fue el color principal, evocando el guardarropa típico de Wall Street, pero con toques ligeros posmodernos como los falda pantalón y el calzado. Un guardarropa de estilo elegante que también llevará precios más altos.

Balenciaga y Adidas

Por otro lado, la colaboración con Adidas se mostró como una antítesis a la vestimenta de SS23. Una colección completa de ropa y accesorios, mucho más deportivos y del Streetwear neoyorkino. Prendas que además nos regresan al hip hop de los años 80 tan propias de esta ciudad. La colaboración fue lo que le puso el toque de color al desfile, tanto en las prendas y en las máscaras de látex.

Definitivamente, dos mundos dispares unidos bajo un el mismo Fashion Show y bajo la misma visión crítica tan característica de Balenciaga.

Una vez más Balenciaga nos enseña que hay mucho más que prendas y tendencias, que un Fashion Show de 14 minutos puede hablar en un sinnúmero de lenguas y más importante aún: cuestionar.

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Un tributo al lado maternal de la moda

¿Cómo se ve hoy en día a la maternidad en una industria que tan solo unas décadas atrás podía significar el fin de una carrera en moda? En los últimos años, la industria de la moda ha evolucionado y ha servido como un espacio de reivindicación y visibilización de esta faceta femenina. Mostrándola con naturalidad. Un tributo al lado maternal de la moda, un camino real, lleno de retos y de fortaleza.

Mujer Real

Sin duda, hay un cambio de actitud en la industria con respecto al papel de la mujer en la sociedad, sus facetas y la aceptación de la mujer real. Y a pesar de que algunas marcas tuvieron resistencia, los últimos diez años los gestos para rendir tributo a la maternidad han sido innumerables. Desde pasarelas, portadas, editoriales, campañas publicitarias, marcas y diseñadores, han querido mostrar desde diferentes perspectivas el “ser” madres.

Recordamos la pasarela del 2015 de Dolce & Gabbana en donde desfilaron las top models con sus hijos. O el increíble Lookbook de la Colección Prefall 2020 de la diseñadora Emilia Wickstead. Fotografías de mujeres luciendo las prendas de ropa y al mismo tiempo cargando a sus hijos. Retratos de madres, llevando vidas dinámicas, pero gozando de un vestuario para ellas como seres únicos e independientes.  

Fotoshoot Lookbook diseñadora Emilia Wickstead Prefall 2020. Celebrando la maternidad a través de la moda.

Madres en la industria

Es impensable no hablar también de la labor de grandes figuras en la industria que además de su pasión por el diseño y la moda, también las une la maternidad. Stella McCartney, Miuccia Prada, Victoria Beckham, latinoamericanas como Carolina Herrera, Sara Galindo, Pepa Pombo, son solo algunos de los nombres más reconocidos.  

Tendríamos que hacer una mención especial a Ashley Graham, la modelo que cambio toda una industria al inmortalizar aun más la maternidad a través de un cuerpo real.

Reinventando la maternidad

Si hablamos de maternidad y moda, el nombre que últimamente suena en las redes y en el internet entero es Rihanna. Gracias a sus constantes apariciones en público con prendas muy diferentes a la moda maternity, rompiendo reglas y reinventando la moda pre-mamá. Ha marcado a la industria entera.

Según Vogue Magazine, Rihanna asegura que “es demasiado divertido vestirse. No voy a dejar que esa parte desaparezca porque mi cuerpo está cambiando. Mi cuerpo está haciendo cosas maravillosas y no voy a sentirme avergonzada por eso”. Looks muy sensuales que incluyen transparencias, escotes y cut-outs, lejos de prendas típicas con cortes que ocultan el vientre. Piezas y elementos que estaban “cómodamente descartados” para las embrazadas, ahora son una posibilidad gracias Riri. Recordemos que también fue Rihanna, quien a través de su marca de lencería Savage by Fenty, incluyó piezas para mujeres embarazadas en el 2018.

Mostrar una versión idealizada de la mujer, dejó hace mucho de ser acertado. Lo que las mujeres quieren hoy es una versión cada vez más real de sus vidas, facetas e historias. Y por supuesto, que eso también incluye el ser madres.

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Periodismo de moda: ¿Una historia de empoderamiento femenino?

A lo largo de la historia el periodismo de moda ha sido duramente criticado infinidad de veces por su frivolidad. Por su poca relevancia o con el argumento de cubrir temas banales. Por otro lado, su fuerte vinculación con marcas o diseñadores, también ha sido uno de los factores para ahondar en el discurso de que el periodismo de moda se debe a marcas y al consumismo. Más allá de todo lo que se cree, y haciendo un análisis histórico y social, el periodismo de moda ha sido la conexión perfecta entre cultura, medios y sociedad. La escritura de moda ha hecho grandes aportes a la historia y a la cultura, especialmente cuando de mujeres y empoderamiento femenino se refiere.

Lugar en la sociedad

Las publicaciones de moda fueron de los primeros lugares en donde se abrió las puertas a la mujer trabajadora. Convirtiéndose en un espacio de oportunidad para muchas de ellas. Desarrollando algo de libertad financiera para la época y el gusto de poder construir una carrera. A pesar de que en un principio estos estudios y puestos fueron destinados a mujeres con recursos, fue una puerta que muchas mujeres supieron sacar provecho, como Audrey Withers. Ascendió al cargo de editora en jefe de British Vogue durante la Segunda Guerra Mundial. Se esforzó en transformar la revista en una guía para apoyar la causa aliada. Sus lectoras llegaron a ser «soldados sin armas».

Cecil Beaton War Photography. London. Publicada en British Vogue

Las revistas de moda como espacios de inclusión

Muchas revistas dieron espacios para crear comunidades femeninas, dedicaban páginas en las publicaciones o departamentos enteros de servicio diario a este objetivo. La meta era crear un espacio de interacción, de amistad y por supuesto contribuir al aire de camaradería entre mujeres. Para los años 50, las revistas también adaptaron enfoques de mayor apoyo a la posición social de la mujer, centrándose en políticas de empleo, temas polémicos para la época como sexo o violencia doméstica.

No se puede tapar el sol con un dedo. Existieron las revistas de moda conservadoras que fomentaban “el ser mujer” con reglas y normas sociales. Como la vida familiar, la maternidad o un comportamiento femenino específico. Muchas otras publicaciones de moda sirvieron como espacios de contracultura. Como por ejemplo la Revista Elle, que incluyó secciones como “Elle Travaille” o Ella Trabaja. También fueron los primeros en hablar de métodos anticonceptivos, divorcio y hasta daban lugar a los debates políticos. Además, que Elle Magazine fue símbolo entre las publicaciones como una revista que supo democratizar la belleza y la moda, dando consejos de cómo la mujer puede alimentar su amor propio y poder de decisión a través de su imagen.

Revista Elle 1964

 Ideales de belleza

Si bien es cierto que el periodismo de moda ha contribuido con opiniones sobre belleza y femineidad, esto no necesariamente se puede apreciar como algo negativo. Por lo contrario, fue fuente de inspiración para fortalecer valores feministas, al dar lugar a moldes y diseños que proclamaban la liberación e igualdad femenina en varias épocas de la historia. Como la conocida minifalda de Mary Quant en 1960 o el Wrap Dress de Diane von Furstenberg en los 70s.

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Color Blocking: ¿Cómo adaptarlo a tu estilo?

El color blocking o la famosa técnica de crear outfits y looks a través de bloques de color está presente más que nunca en la industria. Una tendencia que llega desde los años 60 y que ha tenido sus idas y vueltas a través de la historia de la moda. Su principal objetivo es potenciar el color en un mismo look y que sea el color la herramienta principal de tu outfit. Si te interesa lucir el color blocking debes conocer cómo adaptarlo a tu estilo personal. Te lo cuento…

Un poco de contexto animado

¿Recuerdan a los tan queridos personajes de la serie animada Scooby-Doo? Pues bien, esta serie, estrenada en 1969, tiene en los atuendos de sus personajes un poco de la historia del Color Blocking. ¿Por qué? Porque sus atuendos son el resultado de combinar dos o más prendas de colores contrastes del círculo cromático, alejándose de cualquier estampado. En los años 60 a 70, la democratización del color con pigmentos asequibles para todos, hizo que las tendencias de moda se centraran en el uso del color y sus combinaciones. Así que los outfits de Velma, Daphne, Fred y Shaggy responden a los cambios culturales (y de moda) de ese momento.

En los atuendos de los personajes de la popular serie Scooby -Doo podemos encontrar algunas maneras de llevar el Color Blocking. Sus looks respondían a los cambios culturales de la democratización del color.

Desde monocromáticos hasta contrastantes

Es la técnica preferida de estilos creativos, chics y dramáticos. Pero, el color blocking sigue siendo una técnica para todos, porque te permite crear looks en una escala de creatividad y dependiendo de tu estilo. Por ende, lo último que busca es que te sientas disfrazada. Así que puedes adaptar atuendos con una sola familia de color (monocromáticos) o ir al círculo cromático y buscar los colores más contrastantes (complementarios, ubicados uno frente al otro o colores análogos, uno alado del otro).

¿Si le tengo miedo al color?

Definitivamente, el Color Blocking es una tendencia que parece arriesgada especialmente por el tipo de combinaciones. Aun así, hay otras maneras de adaptarlo a estilos que a veces les cuesta incluir mucho color (estilo natural, estilo tradicional, estilo elegante).

Por ejemplo, se puede tener el mismo efecto de contraste, pero con colores neutros. Blanco, negro, nudes, pueden hacer del color blocking algo más convencional sin necesidad de sacrificar el lado fashionista. Escoge dos o más prendas de estos colores neutros y únelos en un mismo look.

En accesorios

Asimismo, puedes jugar con el contraste de color usando accesorios que aligeren el impacto visual. Por ejemplo, escoger una pieza del outfit y contrastarla con un solo accesorio: abrigo & zapatos, pantalón & bolso, blusa y pañuelo. En este caso y siguiendo la misma línea, Daphne de Scooby -Doo contrasta el morado de su vestido con el verde de su pañuelo. Otra opción, que siempre es válida, es incluir algún color neutro dentro de los bloques de color contrastantes para provocar un descanso visual, como el blanco o negro.

Entonces, ¿qué necesitas para poder lucir el color blocking?

Prendas lisas, colores contrastantes y definitivamente un círculo cromático que ayude con la visualización e inspiración de combinaciones. Y no te preocupes, que toda técnica o tendencia en moda, es 100% adaptable a tu estilo.

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Tendencias festivas: la historia detrás del Ugly Sweater

Es la prenda predilecta de la temporada navideña. Cada vez es más difícil imaginar una navidad sin el clásico Ugly Sweater o Jersey navideño. Lo que empezó como una tradición americana y canadiense, se internacionalizó a niveles inesperados. Ahora son usados por el mundo entero y reconocidos como un ícono de la navidad a la altura de un bombillo o un reno. Pero, ¿cómo es que una prenda que parece tejida por nuestra abuela se volvió tan a la moda?

De lo “feo” a la moda

No importa la marca, si es de lujo o de Fast Fashion, pero todas han aprovechado esta tradición y por supuesto, tendencia a la hora de vestir, para crear sus propias versiones y diseños del Ugly Sweater Navideño. Es parte del High Fashion desde el 2010, pues debutó en pasarelas de marcas como Dolce & Gabbana o Givenchy. Diseñadores como Stella McCartney o Marc Jacobs también lo hicieron parte de sus colecciones. Las marcas de Fast Fashion como H&M o Zara sacan sus diferentes versiones año tras año.

Una de las teorías de porqué esta prenda se volvió tan famosa es que nos permite vestir feo. Sacar ese lado no tan estético de la moda y permitirnos usar algo feo, sin buscar la mejor combinación, por lo menos una vez al año. Otra razón a punta a la nostalgia de la época navideña y cómo de alguna forma nos permite volver hacer niños y jugar con los diseños. Volver a sentir la ilusión de la infancia es lo que muchos buscan en la Navidad.

¿De dónde viene?

Hay indicioso del Jersey navideño desde los años 50, en donde lo llamaban “Jingle Bell Sweater”, pero no fue hasta 1980 en donde empezó a imponerse como una tendencia. Los años 80 fueron la época dorada del Ugly Sweater, especialmente, porque apareció en comedias de televisión muy famosas como The Cosby Show. A partir de ahí su debut en televisión y cine se hizo más fuerte como en El Diario de Bridget Jones o, por supuesto, en El Grinch.

Día Nacional

Tal ha sido el impacto de esta prenda, que cuenta con su propio día de conmemoración. El tercer viernes de diciembre de cada año es el Día Nacional de Ugly Sweater y ¿cómo se festeja? Realizando reuniones o fiestas en donde el código de vestimenta por obligación es el Jersey navideño. Según la página web oficial de este día, debes usar tu Ugly Sweater durante todo el día y compartirlo con familiares y amigos. Definitivamente, ya es parte de nuestro imaginario colectivo de la Navidad.

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El athleisure: ¿Cómo llegó a nuestro día a día?

Si hablamos de athleisure, hablamos de la ropa “deportiva” que usamos, aunque hagamos o no deporte. ¿Cómo es que este fenómeno de la moda llegó hacer imprescindible en la industria y en la sociedad? No solo se incorporó en nuestro armario con prendas casuales de nuestro día a día, también tiene actualmente la atención de las grandes pasarelas de lujo. Las marcas más reconocidas encontraron en el Street Wear y athleisure una fuente de inspiración hacía colecciones y prendas de uso casual y de ocio.

Más que una tendencia, las prendas de ocio tienen una historia de cultura hacia el deporte. Su origen se remota al Siglo 19 cuando las condiciones laborales empezaron a cambiar para la clase trabajadora. La tecnología y el sindicalismo dio como resultado jornadas laborables de 8 horas y el concepto de tiempo libre para la clase media.

Ese enorme cambio en la sociedad, hizo que un gran porcentaje de la población empezará a dedicar tiempo a los deportes. Poco a poco se dieron cuenta que para este tipo de actividades de ocio/deportivas necesitaban otro tipo de prendas. Todo esto sumado a la revolución industrial, en donde las prendas eran masificadas, dio a lugar a un nuevo segmento de indumentaria. La creación de materiales sintéticos como el nylon y la licra resaltaron aún más la comodidad de las prendas deportivas. Lo cual provocó también nuevas tendencias a nivel de diseño en la industria.

Ropa deportiva vs Athleisure

Con el tiempo, la ropa deportiva adquirió una nueva dimensión hasta llegar al Athleisure que no es nada más que outfits o looks basados en lo Sporty, pero no para hacer deporte sino para cualquier otra actividad. Pueden ser actividades muy casuales como salir de compras o hasta una Red Carpet. La estética debe incluir una o varias piezas de corte deportivo y mezclarse con prendas casuales o formales. Depende de la creatividad, imaginación y de las tendencias del momento. Se trata de realizar looks cómodos, pero elevarlo a un grado más de elegancia.

El inicio de la estética Athleisure fue gracias al Yoga, específicamente en los años 90 en Estado Unidos. Este deporte se volvió tan apetecido que los famosos Yoga pants o leggins empezaron a salir de los gimnasios y estudios, a las calles. Los leggins son ahora la prenda más amada y odiada en el mundo, pero reconocida a nivel mundial.

Esta estética no podría ser la misma, sin la influencia del Street wear o la ropa urbana que a su vez tiene una estrecha relación con la música, esencialmente con géneros como el hip hop.

Y sí, muchas de las prendas que usamos hoy en nuestro día a día, fueron en su momento producto de algún deporte. Pero la estética del Athleisure rompió las barreras de los códigos de vestimenta, de lo que “deberíamos” usar y se escabulló a las distintas situaciones de vida en las que lo vemos hoy.